увеличить

РУССКИЙ ФОРТ ВАНКУВЕР
   
Форум русскоязычной общины американского города Ванкувер

увеличить

Русский Форт Ванкувер

Информация о пользователе

Привет, Гость! Войдите или зарегистрируйтесь.


Вы здесь » Русский Форт Ванкувер » Русь изначальная / Ancient Russia » Декоративно-прикладное искусство / Arts and crafts


Декоративно-прикладное искусство / Arts and crafts

Сообщений 1 страница 12 из 12

1

http://www.rcio.rsu.ru/webp/class5/potok93/Melnikova/%CA%D0%D3%C6%C5%C2%CE.jpg

Елецкое кружево

    Елецкое кружево - вид русского кружева, плетeнного на коклюшках. Центр - город Елец (Липецкая область). Отличается мягким контрастом мелкого изящного узора (растительного и геометрического) и тонкого ажурного фона. В 1960 году основан Елецкий комбинат художественных изделий, с 1974 - ПО "Елецкие кружева".

    Елецкие кружева известны в России с конца XVIII века. Именно тогда здесь, в Ельце, возник один из центров, где россияне начали активно осваивать это пришедшее к нам из Европы искусство. Известно, что в елецкой округе, в радиусе до 25 верст, уже в начале прошлого столетия далеко непростое ремесло кружевоплетения освоили сотни человек. Поначалу рисунки для узоров ельчанам доставлялись из-за границы, но со временем здесь появились свои самобытные художники, свой, неповторимый стиль, который отличает елецкие кружева и поныне.

    Европа впервые познакомилась с кружевным чудом из Ельца в 1873 году на Всемирной выставке в Вене, причем работы елецких мастериц сразу привлекли внимание публики и получили высокую оценку специалистов. Елецкие кружева получали разного рода дипломы, медали на Всемирных выставках в Париже, Брюсселе, Монреале, Осаке. Лишь за последние десять лет "елецкое чудо" экспонировалось на 120 международных выставках, всякий раз неизменно вызывая восхищение. А в 1994 году на выставке в Москве елецкие кружева были удостоены золотой медали. Они традиционно реализуются как в России, странах СНГ, так и в дальнем зарубежье.

    Современная фирма "Елецкие кружева" - это около тысячи работающих как в цехах, так и на дому опытных кружевниц, это новые декоративные решения и технологические приемы, но не забыты и прежние традиции искусства кружевоплетения. Не случайно лучшие образцы работ из Ельца представлены как в коллекциях ведущих хранилищ народного искусства, так и в частных собраниях. Нынешний ассортимент продукции "Елецких кружев" - около 200 наименований. Сюда входят и строче-вышитые изделия, выпускающиеся в отдельном цехе, и, разумеется, штучные, поистине уникальные как по замыслу, так и по исполнению ручные работы. Кстати, выполняют ельчане и индивидуальные заказы. Мода на кружева была всегда. Она непреходяща как любое настоящее искусство. Ну, скажите, разве вам не хотелось бы иметь в своем доме красивое, оригинально выполненное по самым последним европейским требованиям постельное белье? Или украсить чудо-кружевами свою одежду? Ведь именно такая деталь, как кружева, придает любому из нас свой особый стиль, свою неповторимость. Фирма "Елецкие кружева" имеет немало постоянных партнеров. Но она не отказывается и от новых деловых контактов как в пределах России, так и за рубежом. Здесь всегда готовы выслушать любое деловое предложение.

0

2

http://russia.rin.ru/pictures/6845.jpg

Дулевский фарфор

    Ушел в прошлое XVIII век - век "фарфоровой лихорадки", когда фарфор ценился наравне с золотом, когда людей, владеющих "китайским секретом", похищали, подкупали... В начале XIX века фарфор уже не считался диковинным товаром, хотя и оставался предметом роскоши.

    В 1832 году богатый Купец Терентий Кузнецов строит крупный по тем временам фарфоровый завод в Дулеве, где намеревается наладить массовый выпуск изделий, чтобы продавать их не только по всей России, но и за рубежом.

    Предприимчивый купец менее чем за 20 лет сделал Дулевский завод ведущим фарфоровым предприятием России. Фарфор завода отличался благородной простотой - ослепительная белизна сочеталась с великолепной позолотой и равномерным, насыщенным блеском глазури. Но для успешного сбыта посуды требовалась иная роспись - более яркая, броская.

http://www.savanna.ru/modules/Gallery/data/media/3/Dulevskiy_farfor4.jpg

    В основном фарфор расписывали простые работницы, наделенные от природы художественным вкусом. Под руками "живописок" оживали невиданные цветы, сплетались причудливые узоры. Большинство мастериц звали Агафьями, отсюда и название неповторимого Дулевского стиля - "агашки". От бесхитростных агашек и розанов, от народного письма по керамике пошли все Дулевские рисунки, в них - душа Дулевского завода.

    С 1864 года предприятие Кузнецова монополизировало почти всю керамическую промышленность России. Однако к этому времени у кузнецовского фарфора появился мощный конкурент - дешевые заграничные изделия, в оформлении которых применялись машинные способы росписи. Нужно было торопиться налаживать новое производство. И Кузнецов в короткий срок внедряет печать, деколь, трафарет. Механизация росписи значительно увеличила выпуск изделий, снизила их себестоимость, позволила расширить ассортимент. Завод в большом количестве стал выпускать столовые, чайные и кофейные сервизы, бокалы, чашки с блюдцами, сливочники, масленки, сухарницы, блюда, вазы для фруктов. Без всяких колебаний ввел Кузнецов "машинную роспись" в оформление изделий, но в то же время он держал своих стипендиатов в Строгановском училище и школе Общества поощрения художников. Таким образом, на заводе одновременно существовали два "стиля" росписи фарфора - подражание западноевропейским "машинным" образцам и традиционная ручная Дулевская роспись: веселые, радующие глаз краски, яркая позолота.

    Учитывая вкусы массового потребителя, а также все возрастающий интерес коллекционеров разных стран к традиционной народной посуде, работавшие на Дулевском заводе художники продолжали писать по старинке, вручную, создавая цветастые росписи, сохраняя самобытную Дулевскую агашку. Здесь рождались уникальные произведения, отмеченные печатью настоящего искусства, Дулевский фарфор завоевывал рынки сбыта во всем мире. Жители Средней Азии и Турции предпочитали кузнецовскую "восточную" посуду всей прочей. Даже в ряде областей Восточного Китая Дулевские изделия считались более "китайскими", чем местные! Пополнялся и европейский ассортимент.

    К концу XIX века Дулевский завод по техническому оснащению был одним из ведущих предприятий России, а по качеству выпускаемой продукции - одним из лучших в Европе, Дулевский фарфор представлял страну на всемирных выставках. Изделия подмосковных мастеров были отмечены Золотыми медалями в Париже в 1889 и 1890 годах, получили "Гран при" в 1903 и 1905 годах в Реймсе и Льеже.

0

3

а где его приобрести можно?

0

4

Россия, Московская область, Орехово-Зуевский район, г. Ликино-Дулево, ул. Ленина, 15. В интернете, я полагаю, его тоже можно заказать.

0

5

http://russia.rin.ru/pictures/6831.jpg

Гусевской хрусталь

    История гусевского хрусталя началась в 1756 году, когда орловский купец Аким Мальцов основал на берегу реки Гусь в дремучих мещерских лесах первый стекольный завод.

    Кавалерские и обычные столы в пригородных дворцах императора, купеческие, мещанские, помещичьи столы - где только не было мальцовского хрусталя. В середине 19 века Гусевскому заводу было разрешено изображать на своих изделиях герб России. Завод выполнял крупные заказы императорского двора, создавал уникальные изделия для шаха Ирана.

http://images.km.ru/style/2005/12/margo06.jpg

    Сейчас завод в первую очередь славится своим художественным стеклом. Гусевские художники, учитывая особенности материала, придают ему высокохудожественную выразительность, умело используя и цвет, и форму, и декор.

    Мастерство гусевских умельцев - это искусство глубоко национальное, уходящее своими корнями в далекое прошлое. Оно впитало в себя многие народные декоративные мотивы, узорчатое убранство резьбы, простоту форм старинных гончарных изделий, изящество и законченность памятников архитектуры, талант многочисленных народных мастеров, из поколения в поколение передающих секреты волшебного мастерства. К их числу относятся потомственные династии алмазчиков Зубановых, граверов Травкиных, но творцом художественного стекла является художник. Высокими международными наградами отмечено творчество художников Е.И. Рогова, В.А. Филатова, В.С. Муратова, В.В. Корнеева и многих других.

    Новое направление в развитии стекла Гусь-Хрустального резко обозначилось в начале шестидесятых годов. В это время на завод приехали работать выпускники училища им. В.И. Мухиной Б. Бычков, С. Пивоваров, В. Филатов, Г. Черноскутов. В стекло они принесли с собой новые художественные веяния, которые в этот период коренной ломки эстетических критериев охватывали и другие виды и жанры искусства. Пришло, наконец, осознание важной роли художественных бытовых изделий в формировании не только внутреннего мира человека, но и всей внешней среды его обитания.
   
    В центр внимания они поставили повышение художественного уровня. Начали с работы над гладким стеклом, как наиболее массовым и более всего потерявшим привлекательность. Вскоре вышли первые тиражи, сразу получившие высокую оценку у покупателей. Это были фужеры, приборы для воды и другие комплекты, заметно отличавшиеся выразительностью форм и декора. Обогатившись голубым, зеленым, золотистым, розовым, фиолетовым цветами и различными их полутонами, изделия стали выглядеть значительно интереснее. Художники активно работали также над повышением цветности стекла за счет его толщины и пластических свойств.

    Другим важным направлением в творчестве художников Гусь-Хрустального в шестидесятые годы стали их работы над хрустальными изделиями с алмазной гранью. К тому времени хрусталь выполнялся все еще в тяжелых старомодных формах, насыщенных сложным, многословным декором, инертным в переливах света и блеска.

    Шестидесятые годы художники Гусь-Хрустального сделали переломными и в области дешевого и массового прессованного стекла. Художественную выразительность необходимо было придать изделиям машинной техники исполнения. В этих условиях в основу изделий художники заложили формы декора, рассчитанные на сугубо механизированное воспроизведение.

    Многолетние эксперименты и поиски дали к концу шестидесятых годов значительные результаты. Стекло не только поднялось на более высокую с тупень художественного развития, но и приобрело черты определенной стилевой чистоты, свойственной этому виду материала. Об этом наглядно свидетельствовала первая большая выставка "Стекло Гусь-Хрустального", организованная в Москве в 1967 году. На ней было представлено творчество всех художников завода. Наряду с массовыми образцами, Е. Егоров, В. Филатов, С. Пивоваров, В. Корнеев, В. Муратов, С. Верин, О. Козлова, Ф. Ибрагимов показали также свои уникальные произведения.

    В начале семидесятых годов коллектив достиг творческой зрелости, стал стабильным. В него влились молодые художники В. Касаткин, Р. Аксенов. Вскоре все они были приняты в члены Союза художников.

    Вместе с обретением единого художественного стиля перед мастерами Гусь-Хрустального открылся путь для широкого проявления индивидуальных художественных устремлений каждого. Стало возможным обобщить большой этап в развитии творческого коллектива и опыт его работы как крупного центра художественной промышленности России.

    Творческий потенциал художников Гусь-Хрустального и сегодня продолжает оставаться очень высоким. Плодотворно работают все художники. Через осмысление современности постоянно идет поиск новых художественных решений изделий из стекла. Последние годы отмечены большим увлечением цветным хрусталем в сочетании с гутной техникой.

0

6

есть у меня такой, только я его всегда гусевским называла...

0

7

Он есть практически у каждого. Помню, когда в детстве ездила к бабушке, проезжала на поезде Гусь-Хрустальный. Там 24 часа в сутки на платформе продавали изделия из хрусталя. Многие продавали вазы, рюмки, графины и т.п. прямо за копейки...

0

8

http://www.metaltorg.ru/analytics/images/color130_3.gif

Валдайские колокольчики

    Нежный и чистый звук валдайского колокольчика ласкает слух человека уже более 500 лет. Вы слышали их мелодичный звон? Знаете вы историю этих колокольчиков, пришедшую к нам из глубины веков?

    Красивая легенда говорит, что валдайские колокольчики появились в 1478 году. Именно тогда по приказу царя Ивана III с Софийской звонницы был снят вечевой новгородский колокол и отправлен в Москву, чтобы звучал он согласно со всеми русскими колоколами и не проповедовал бы больше вольницы.

    Но до Москвы так и не добрался пленник. На одном из склонов Валдайских гор сани, на которых везли колокол, покатились вниз, испуганные кони понеслись вскачь, колокол сорвался с воза и, свалившись в овраг, разбился вдребезги.
Из его обломков и были отлиты первые валдайские колокольчики.

    Другое поверье (а их множество) относит начало колокольного литья на Валдае к XVII в. В 1656 году государев мастер Александр Григорьев отливал в Иверском монастыре Никоновский колокол. Оставшуюся от отливки колокола бронзу мастер отдал помогавшим ему валдашам. С тех пор, сказывают, в Валдае и льют колокола.

    Колокола, возможно, и лили в XVII в., но то, что принято называть валдайским (то есть ямщицким) колокольчиком, появляется не ранее II половины XVIII в. Ямщицкие колокольчики были, в первую очередь, необходимы на главной, самой оживленной дороге России - Московско-Петербургском тракте. Центр производства их возник в Валдае, находящемся на середине этого тракта. Местные мастера издано славились кузнечными изделиями v в кузницах и стали отливать первые валдайские колокольчики.

    В начале XIX в. появились специальные колокольные мастерские и заводы. Первые, известные нам, подписные датированные колокольчики относятся к 1802 году. Под этим годом значатся изделия Филиппа Терского, Алексея Смирнова, Ивана Смирнова, Никиты Смирнова. Общепризнанно, что Валдай является первым центром литья ямщицких колокольчиков. Технология их производства отлична от литья церковных колоколов и выработана была впервые в России, что позволяет назвать ямщицкий колокольчик (и в первую очередь валдайский) исключительно русским, национальным явлением.

    Вслед за Валдаем ямщицкие колокольчики начали отливать в г. Слободском Вятской губернии, г. Тюмени, г. Касимове Рязанской губернии, с. Пурех Нижегородской губернии и других.

    Ямщицкий колокольчик был сигнальным инструментом, определявшим безопасность передвижения, а также музыкальным инструментом, сопровождавшим пение ямщика. Колокольчик предопределял ритм движения лошадей, то подгоняя их, то давая им возможность в мерном шаге отдохнуть.

    Колокольчик заблаговременно оповещал о приближении экипажа к станции и исполнял еще множество тех функций, без которых было бы невозможным нормальное существование путешественника в условиях русской дороги.

    Как уже говорилось, история валдайского колокольного литья до конца XIX века существовала в устной традиции, поэтому главным источником по изучению данного вопроса являются сами колокольчики и колокола, поставленные на них надписи, даты, имена литейщиков. Валдайский колокольчик имеет строгую, устоявшуюся,
неизменную (классическую валдайскую) форму, которая строится на равновеликих соотношениях высоты и диаметра, что создает впечатление устойчивости.

http://russia.rin.ru/pictures/4194.jpg

    Колокольчик лишен декора как такового, что усиливает впечатление простоты, неприхотливости, функциональности изделия и самое главное - знаковое значение надписи, непременно поставленной на одном и том же месте, по нижнему краю колокольчика, называемому местными мастерами "юбкой". Обтекаемость, мягкость форм, особенность построения покатой верхней сковороды, которую называют "плечами" и самого "сарафана", а особенно "юбки" подчеркивают не просто антропоморфизм валдайского колокольчика, а прямо говорят о том, что он смоделирован с женщины, одетой в русский сарафан. Своеобразие петли для подвески языка, сам кованый язык, непременные проточки по тулову, чередующиеся с необточенными шероховатыми поясками, делают валдайский колокольчик узнаваемым.

    Предпочтительность валдайского колокольчика (несмотря на то, что он стоил очень дорого) состояла в высоком качестве изделия (употреблялась самая высокосортная уральская медь), красоте звучания, устойчивости и традиционности во всем, начиная с самой легенды о рождении колокольчиков из вечевого новгородского колокола.

0

9

http://mega.km.ru/bes_2004/DATA/PREV1998/v_220i.jpg

Великоустюжская чернь
 
    Чернь как вид обработки металла известна на Руси с Х века. Археологические материалы дают богатейшие коллекции произведений из серебра и золота, украшенных тонкими изящными орнаментами, наведенными по гравировке или чеканке чернью.

    Технология черни состоит в том, что черный сплав серебра, меди, свинца и серы вплавляют в основной металл - серебро или золото, чтобы достичь цветового контраста. В основном металле должны быть сделаны небольшие углубления методом гравировки, чеканки или травления.

    Существует несколько вариантов технологического приготовления, наложения и оплавления черни. Наиболее древний и эффективный из них, сохранен и применяется мастерами Великого Устюга.

    В ХVII - начале ХVIII веков широкое развитие получило искусство черни в Москве.
Активное строительство культовых сооружений и дворцовых ансамблей дало толчок развитию различных художественных ремесел, в том числе и искусству чернения. В Москву были приглашены лучшие мастера - серебряники из Пскова, Новгорода, Ярославля и других городов.

    Для ХVII века характерно значительное влияние на русское искусство произведений из западноевропейских мастерских, привезенных иностранными послами в Москву. Мастера Оружейной и Золотой палат Кремля быстро трансформировали барочные мотивы орнаментики Запада. Пышные узоры из букетов или гирлянд плодов и заморских цветов стали украшать большие серебряные блюда, кубки, и оклады икон.

    Но основным центром черневого искусства во второй половине ХVII века стал город на Севере - Великий Устюг. Со второй половины ХVI века и особенно в ХVII веке Великий Устюг входит в число крупнейших торгово-ремесленных центров Руси. В середине ХVII века ремеслом здесь было занято около 500 жителей городского посада, владевших 55 специальностями.

    Город оказался на торговом пути, связывавшем Европейскую часть России с Сибирью. Это повлекло за собой бурное развитие ремесел, в том числе и черневого искусства.

http://eart.by.ru/pict/chern.jpg

    Благодаря талантливым мастерам устюгская чернь обрела свое лицо отличное от искусства других художественных центров. В их работах особое значение обрела сюжетная гравюра, очень насыщенная, значительно более густая по цвету, нежели московская или петербургская. Фон прорабатывался штрихами, образуя своего рода сетку. Черневая композиция всегда очень четко увязывалась с золоченным, слегка углубленным фоном. Общее решение дополнялось резными или чеканными деталями. Для Великого Устюга ХVIII век явился периодом наибольшего расцвета черневого искусства.

    Великий Устюг - город с богатыми традициями художественной обработки металла. Он является центром одного из наиболее известных художественных промыслов - северной черни.

   Первое официальное упоминание об устюжской черни относится к середине 18 века, когда в столицу вызывают Михаила Климшина для обучения черновому искусству "московских жителей от купечества". Этот факт подтверждает, что промысел чернового дела в это время в Великом Устюге процветает. Искусство наводить черновые узоры на серебряные изделия восходит к 17 в.

    Устюжская чернь по серебру ценилась благодаря высокому художественному совершенству и необычайной прочности сцепления чернового состава с серебром. Изделия мастеров 18 в. - табакерки, коробочки, потиры, оклады евангелий и икон и т.д. - отличаются изящными и разнообразными формами. В работах сочетается матовый фон серебра с золотом и глубоким бархатистым черновым рисунком. Изображения силуэтны и лишены мелкой детализации, гравировка их сочная и мягкая. Развитию чернового искусства способствовало и открытие в 1762 г. фабрики братьев Поповых, которая просуществовала 15 лет. Влияние устюжской черни сказалось на развитии всех художественных центров Севера - Вологды, Архангельска. Вятки. К 19 в. город оказался не в состоянии конкурировать с крупными столичными производствами, но секрет устюжской "черни" вечной прочности был сохранен.

    В 1932 г. образуется артель "Северная чернь". К созданию новых рисунков были привлечены профессиональные художники. С 1936 г. артель возглавил выпускник Петербургской Академии художников Шильниковский. Великолепный рисовальщик, график он обращается к литературным произведениям и создает целые серии по произведениям Пушкина, Гоголя, Крылова. Искусство черни в Великом Устюге вновь было поднято на небывалую высоту. В 1937 г. на выставке в Париже велико-устюгское черновое серебро было награждено золотой медалью и дипломом.

    В 1961 г. артель переименована в фабрику, затем завод "Северная чернь". Ведущие современные художники промысла: Тропина Е.Ф., Бобылева Л.М., Шорохов В.П., Меньшикова Л.С. обращаются к традициям древнерусского прикладного искусства. Ювелирные украшения, чарки, братины, стопки, столовые комплекты ложек, вилок и ножей украшаются крупными растительными узорами с введением в них изображений птиц, сказочных зверей, мифологических существ.

    Мастера серебряного дела стали обучать своему ремеслу не только в северных ремеслянных мастерских, но и серебряников Москвы.

    В Московском архиве сохранились документы, которые указывают, что в 1744 году в Москву был вызван из Великого Устюга мастер Михаил Климушкин "для обучения оного мастерства московских жителей из купечества".

    В середине ХVIII века и на северных мастеров оказал влияние широко распространенный в Западной Европе стиль "барокко". Сложные сюжетные композиции стали завершаться пышными рамками. В центре изображались охотничьи сцены, пасторальные сюжеты. Влияние Западноевропейской сюжетики сказывалось и на исполнении основной части композиции на табакерках, коробочках, флаконах.

    В 1780-х г.г. роккальные и барочные мотивы в северной черни все чаще начинают вытесняться сюжетами нового стиля - строгого классицизма. Переход к классицизму ознаменовался отказом от излишней пышности декора, от торжественной театральности сюжетов. К концу ХVIII - началу XIX в.в. относятся работы мастера Жилина, в которых он применил новый технический прием - вместо лучеобразно расходящихся линий, он вводит сплошной узор из черневых звездочек и миниатюрных букетов.

    С середины XIX века черневое дело переживает полосу постепенного упадка. Мастера не в силах бороться с проникновением капиталистических отношений и промышленной продукции. Конкуренция относительно дешевых серебряных изделий с простыми орнаментами вынуждает их к сокращению производства и превращению крупного центра черневого искусства в провинциальные мастерские, оторванные от крупных рынков.

    Для того, чтобы возродить это искусство в советский период потребовалось немало усилий. Технология черни требует опыта и особых навыков мастеров. Возрождение народного художественного промысла "Северная чернь" связывается с именем потомственного мастера М.П.Чиркова.

    Под его руководством молодые мастера освоили технику черневого дела. Объединившись в артель "Северная чернь", они наладили выпуск подстаканников, портсигаров, ложек и других простых в производстве изделий с незатейливым цветочным орнаментом.

    Для совершенствования художественного качества изделий Чирков привлек художника Е.П.Шильниковского - выпускника Петербургской Академии художеств. Изучив особенности старого черневого искусства, художник сумел выявить и восстановить прерванные традиции. Е.П.Шильниковский вводит в сюжетику новые темы, в частности, из русских сказок.

   Первая наиболее крупная партия серебряных изделий с его рисунками на тему произведений А.С.Пушкина получила на Парижской Всемирной выставке в 1937 году Большую Серебряную медаль и Диплом.

    С тех пор завод принимал большое участие в различных выставках и конкурсах, как в нашей стране, так и за рубежом. Изделия "Северной черни" побывали на Всемирных выставках в Брюсселе и Монреале Нью-Йорке и Осаке.

0

10

http://pokrov.tversu.ru/goldentree/03u.jpg

Золотое шитье из Торжка

    Торжокское золотое шитье - вид традиционной русской золотной вышивки, получивший широкое развитие в городе Торжок Тверской губернии и сохранившийся до настоящего времени в форме традиционного художественного промысла.

    Вышивальный промысел сложился в Торжке в 18 веке на основе местной традиции, уходящей своими корнями в русское средневековье. Наибольшее развитие промысел получил во второй половине 18 первой половине 19 столетия. В это время торжокские мастерицы вышивали по заказу и на продажу головные уборы, кисейные рукава, передники, пояса, сафьяновую обувь, кошельки и различные детали праздничного народного костюма, а также предметы церковного обихода. При вышивке по плотным тканям применяли главным образом так     называемый "кованый шов" и шов "в прикреп" по настилу.

    О славе торжокских вышивальщиц и уровне их мастерства свидетельствуют многочисленные заказы, поступавшие от русского двора. Им неоднократно заказывались парадные платья для членов императорского дома, например, для Екатерины II и Александра II .

    Рисунки для вышивки составляли сами мастерицы. Наиболее характерны растительные узоры, основным мотивом которых была ветка розы с цветами, бутонами и листьями, дополненные завитками, усиками, блестками, которые смягчали переход от рельефного орнамента к фону.

    Во второй половине 19 столетия вследствие изменения моды и из-за высокой стоимости золотной вышивки спрос на торжокскую вышивку значительно снизился, и промысел, да и искусство золотного шитья в целом переживали значительный упадок.

http://www.pycb.orthodoxy.ru/goldring/torzok1.jpg

    Заботу о сохранении традиции золотного шитья взяла на себя новоторжокская земская управа, открывшая в 1894 году учебно-показательные мастерские и обеспечившая сбыт изделий. Большую роль в развитии промысла сыграла А. Н. Пашкевич, художник кустарного отдела земства, преподававшая в учебной мастерской композицию и рисунок для золотошвейных и кружевных изделий. На рубеже 19-20 веков искусство торжокских швей было отмечено высшими наградами крупных международных выставок в Париже, Лондоне, Турине и др.

    Учебно-показательные мастерские продолжали свою работу и после Октябрьской революции. В 1923 году на их базе была основана профтехшкола для подготовки инструкторов по вышивке, а уже в 1928 году ее выпускники объединились в торжокскую золотошвейную артель имени 8 Марта, выпускавшую преимущественно знаки отличия для Красной армии, и лишь в небольшом количестве традиционные изделия тюбетейки, бювары, декоративные подушки, сумочки. В узорах подобных изделий сохранялись мотивы золотных вышивок 17-18 столетий. В конце 1940-х - начале 1950-х годов в растительные узоры, в которых усиливается тенденция к натурализму, стали вводиться также элементы советской символики звезды, серп и молот и т. д. В основном на предприятии, преобразованном в 1960 году в фабрику, выпускались знаки отличия Советской армии и малыми тиражами закладки, панно, очешники и т. д. Традиции золотного шитья продолжаются и в наши дни. В последние годы возобновилось шитье церковных облачений и утвари.

0

11

http://russia.rin.ru/pictures/6811.jpg

Нижнетагильские подносы

    Уральская лаковая живопись по металлу возникла в восемнадцатом веке при нижнетагильских заводах.

   Демидовы, будучи главными и взыскательными заказчиками росписных изделий, всячески поощрали и поддерживали развитие лакового промысла. В 1806 году было открыто "живописное училище", в котором готовили из крепостных мальчиков высококвалифицированных мастеров-живописцев.

   В Нижнем Тагиле с годами складываются целые художественные династии, бережно передающие из поколения в поколение секреты живописного и лакировального мастерства.

   Наиболее известные из них Худояровы, чье имя носит музей подносного мастерства, Дубасниковы, коллекция трафаретных орнаментов которых стала школой мастерства для современных художников.

   Тагильские подносы в XVIII, середине XIX века - это подносы - картины, когда в центре зеркала подноса располагалось цветочное, пейзажное изображение, а края зеркала обрамлялись широкой полосой геометрического или стилизованного растительного орнамента. Поражало разнообразие форм: круглые, прямоугольные, фигурные и овальные, с ажурной решеткой, с просечными ручками - подносы были шедеврами народного искусства.

Начавшийся во второй половине XIX века упадок "лакировального дела" длился более века. И только в середине двадцатого столетия было принято решение по возрождению и восстановлению уникального промысла.

Сегодня мы с гордостью говорим, что руками тагильских мастеров - художников восстановлена цветочная и ягодная росписи, трафаретные орнаменты, совершенствуется сюжетная роспись. Выросла плеяда молодых талантливых мастеров - гордость предприятия.

За последние двадцать лет изделия промысла экспонировались в крупнейших музеях страны, с успехом вывозились на выставки в Индию, Болгарию, Чехию, Германию, Италию и другие страны.

http://www.e1.ru/afisha/events/img/57385-buket.jpg

   Тагильскую роспись не спутаешь ни с какой другой: ей присущи богатство красок, повышенная декоративность, чистота и изящество в обработке цветов - главная из которых красавица - роза, - законченность композиции, утонченная вязь орнаментов, то есть все те черты и особенности, что сложились за двухсотпятидесятилетний период ее существования.

0

12

Очень красиво!!!!!!!

0


Вы здесь » Русский Форт Ванкувер » Русь изначальная / Ancient Russia » Декоративно-прикладное искусство / Arts and crafts